不是婚礼进行曲，婚礼进行曲是：等灯灯灯～，等灯等灯～
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是 班得瑞 的曲
《千与千寻》
我很爱的一首歌
源于宫崎骏的动画作品
在剧中出现在'"千寻" 离开“沼底女巫”之前,开门看见“琥珀川之龙”的时...
这首是来自欧美流行组合Djumbo的&Time-Out&.
下面是歌词哦:
Time out away from you!
Time out! Time ou...
答: 音乐，挑选自己喜欢的纯音乐，让自己慢慢放松，适当的可以让自己有一种轻快的感觉
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舞曲 94277 首
强劲鼓点最嗨的节奏 电音Dj最劲爆现场 DjLz良仔Mix
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什么是绘画里的节奏感？
【乃门的回答(109票)】:
这个问题很大，但是我觉得题主的真正意思是“为什么画面中有会美？”
这个可以牵扯到很多上的最基础也是最复杂的问题，即构成。
我觉得他们都说的对，我来分享下我的观点。
先从简单的讲起 让我们看看日本漫画中的冲击波是怎么画的
不知道你注意到没有，为什么上面的会比下面的舒服自然呢？答案就是你所说的节奏。不知道你注意到没有，为什么上面的会比下面的舒服自然呢？答案就是你所说的节奏。
上面的是有疏密关系的分布长短长长短短长短短长这样，这就是一种节奏，由此可以类比出超级赛亚人的头发为什么会是这个样子了。
有大有小有长有短，这种暗合着某种规律，但是又不全然是一成不变的节奏感会让我们感觉很舒服。
这只是节奏在画面中一种小小的用法。
如果你学过素描，老师在说构图的时候一定说过画面要有主次吧，如果是一个坛子3个苹果让你画，坛子和一个苹果放在一起，另两个苹果稍微错落一下应该是最经常用的构图，这是为什么呢？
前人的办法总是前人智慧的结晶，这种构图虽然不够新颖，但是它稳定，就是因为这种“节奏感”。即是疏密疏 。
让我们看看大师的画面构图吧
塞尚的一幅画，为了排除色彩构成的干扰我去掉了颜色（颜色也是有节奏感的先不提），我们只看构图 疏密疏密密疏密疏 是不是和上面的长短长短之类的很像呢?
再来看看伦勃朗的人物肖像画
我用白笔大略的标示出纵向上的这幅画有疏密（起伏程度）关系的地方，不知道你感觉出来了没有，人体为什么是美的？因为人体的节奏感很美。我用白笔大略的标示出纵向上的这幅画有疏密（起伏程度）关系的地方，不知道你感觉出来了没有，人体为什么是美的？因为人体的节奏感很美。
节奏的运用在设计中也是非常重要的，好的节奏能让设计十分精彩，我不知道你玩不玩WOW，如果你玩且细心的话，你会发现WOW里面的地精ORC的路障都很有意思，其中要么有根断的要么会有根突出来，这就是为了打破沉闷的节奏做出来的改动。
其实你仔细去看好的设计好的画就都会发现这种“这种暗合着某种规律，但是又不全然是一成不变的让我们感觉很舒服的节奏感” 无处不在。
以上所说基本是造型上的节奏感，其他色彩的冷暖啊，光影交织等等等等请自行推敲。其实道理都是一样的。
大致说这么多吧，想到什么再补充
PS，伦勃朗这幅画也能看出光影交织的节奏感，明暗附着于体积，一个意思。
【Mitty的回答(79票)】:
问题太大了，挑着了解的地方说一点个人理解。
节奏是构成音乐的三要素之一。在音乐中，节奏感表现在节拍的强弱感，速度及拍感的稳定统一还有合乎逻辑的非均衡节奏。
而在中，节奏有着相同重要性的地位，与音乐不同，是通过视觉感知并且具有一定抽象性的意向。画的节奏一定上体现了画家抒发情绪的审美倾向。
形作为一幅画的基垒，形有有着太重要的作用。
有史前卢浮宫之称的法国拉斯科洞窟崖壁画初步体现了线条的意识。有史前卢浮宫之称的法国拉斯科洞窟崖壁画初步体现了线条的意识。
威廉·贺加斯在《美的分析》一书中这样写道：
直线只是在长度有所不同，因而最少装饰性。直线与曲线结合，成为复合的线条，比单纯的曲线更多样，因而也更有装饰性。波纹线，就是由于由两种对立的曲线组成，变化更多，所以更有装饰性，更为悦目，贺加斯称之为“美的线条”。
蛇形线，由于能同时以不同的方式起伏和迂回，会以令人愉快的方式使人的注意力随着它的连续变化而移动，所以被称为“优雅的线条”。
尼古拉·费欣 速写尼古拉·费欣 速写
形的节奏可以表现在每一根线条上面，线条的穿插呼应，强弱虚实，方圆曲直，疏密聚散都是构成的因素，简而言之，一般刚刚学画的人不太可能能够画出既表现了结构又能够看上去舒服的线条，这时候真正的原因是因为你的每一条线并不真正在结构点上面，而光线的了解不足也时你不能将线条的逻辑把握清楚。
节奏感更是一种捕捉画面中点、线、面中韵律、趣味的直觉。
当对象表面被光照射将会形成黑、白、灰不同的面，通过对这些明暗变化的刻画，可以表现出物体的基本特征。这些特征不止表现在物体的形体，还有情感等方面。
最初画画时，你可能总会听到老师说，灰了。事实证明，刚接触画画(甚至是画了很久)的人一般画面中只会存在两个色域，即白和灰，大家不敢去刻画暗面总感觉似乎就一下子就怕画重了，其实还真的差得远。因为将时间浪费在灰色部位的描写而放弃掉黑色部位现在想起来太蠢了。
鲁本斯 素描鲁本斯 素描
这幅画虽然只有少量暗部面积，但依靠强烈的对比，依然表现出极强的分量感。就像刚学画时我的老师教过我，一张画你开始画的那一刻，要保证你在任何时候停下来它都能保证一个清晰的黑白灰界面，即不管什么时候停笔他都要是个完整的画面，这样一般就不会出现黑白灰不分明的问题。
而均衡整个画面中的黑白灰关系则是塑造节奏感的方法，就像音乐一样，一曲过后你能很清晰的听到拍子强弱，各种乐器的配合，而画也是这样。
光影从结构出发，丰富的明暗变化可以体现出物体的体积，模拟画面中光线构成的起伏转折与穿插以构成完美的体积感。
光影的明暗虚实与角度变化可以体现物体的体积感与空间视觉形象。
光影与阴影的关系通过设计，可以根据画面需要来变化这些明暗色块。
弗朗西斯科·德·苏巴兰《圣·方济各的沉思》1639
伦勃朗《浪子归来》1669伦勃朗《浪子归来》1669
光影不仅仅是简单的阳光照射，阴影也不仅仅是简单的黑暗无光，瞩目的阳光下，画室满室的白炽灯下，莹莹的星光下，小酒馆微微的烛光下...不同的光线表达着不同的情绪，画家通过对光线的把握也一定向的把握了整体画面的情绪与韵律。
西班牙画家 路易斯·里卡多·费雷罗西班牙画家 路易斯·里卡多·费雷罗
丢勒《自画像》1500 丢勒《自画像》1500
自画像有67×49厘米,肖像的姿势不偏不倚地呈三角形正面展现,构图为半身像形式,每一部分都细致地描绘,以钻研物体在一定空间的光感现象,力求形象具概括性,条理性,连被画者的内心世界也都是平衡的。由于他的探索过于偏执,这里也暴露出形象的惶惑感。
把握比例和尺度
《三体2》中曾描写过一幅庄颜的画，大刘作为一个典型理工思维的人，但在他的审美中将构图中的留白定义成一种美的极致。
这时太阳已经西斜，周围的雪坡处于阴影中，纯净的雪呈现一种淡蓝色，似乎在发着微弱的荧光，而远方如刀锋般陡峭的雪峰仍处于阳光中，把灿烂的银光撒向四方，这光芒完全像雪自己发出的，仿佛照亮这世界的从来就不是太阳，而只是这座雪峰。
“好了，现在画里都是空白了。”罗辑伸开双手转了一圈说。
庄颜欣喜地看着这洁白的世界：“罗老师，我真的画过一幅这样的画！远看就是一张白纸，画幅上几乎全是空白，近看会发现左下角有几枝细小的芦苇，右上角有一只几乎要消失的飞鸟，空白的中央，有两个小得不能再小的人儿...这是我最得意的作品。”把握画面中的合理比例，大面积留白可以很美。同样，画将面饱满的溢出来也同样是另外一种美得方式。比例是重点。
色彩结构与搭配可谓是画之灵魂，
曾和朋友争论过：在一个糟糕设计或是一副画中，只能改变一个元素的话，最重要，最能够扭转这幅画的关键点是什么。我认为是色彩。
因为受到周围环境的影响，色彩并不显示他们本来的样子。----莱昂纳多·达·芬奇
人是视觉动物，色彩是最简单直观的视觉表现，人对色彩的直觉选择是天生的。
记得刘禹锡说过 在此为美兮,在彼为蚩。颜色的不同位置与颜色不同的变化也是把握画面中的节奏的重要方面。
节奏即是呼吸，即是画的心跳和脉搏。
在我认为这些都是画面节奏的重要组成部分。
才疏学浅，瞎说一气，不对的地方谢谢指正。
【安李的回答(218票)】:
看图就明白了。
由大到小的圆球，构成了运动轨迹，这种轨迹就是节奏感的一种体现。
若干个有规律的、整齐的圆球排成一行，这也是节奏感的一种体现。
所以说，制造节奏感的要点，就是合理运用点、线、面，进行排列和组合。
不同的排列和组合会产生不同的节奏：
紧张的节奏：
舒缓的节奏：
点和面的分布疏密产生的不同效果：
而色彩的节奏感，就要由冷暖关系、虚实关系上入手。
遵循前冷后暖/前暖后冷的规律。
遵循纯度和明度变化的规律：
=================
大概就是这些。
【王思聪的回答(24票)】:
有话要说！
我小学学了六年国画，我们是小学，上午是文化课，下午专业课，有绘画、国画、声乐、舞蹈、武术等等等等。
我们国画老师算是一位很厉害的画家了，或者说艺术家，有一年考中央美院全国就十个名额他考上了。现在的他每年交几幅画上去，办办展览，教教学生，最开心不过的生活了。我家里面也有他赠送的一副艺术到看不懂的国画装裱好挂在墙上。
说一个他当年画画的事，大概是2年级，入秋的时候，他拿了一大张纸铺好，开始着手画一副画，山水画，但是他不是每天都画，偶尔画一下，可能一个月画一下，也可能一周画好几天。重点来了，他那幅画不是一年画完的！秋天结束了他就把那幅画装好，第二年秋天再来的时候再打开画，只在秋天画，有感觉的时候画，因为他会打开了看了半天又装上不画了，最后他整整画了四年才完成那幅作品。
我记不得那幅画确切的样子了，但是这件事我印象很深，我想这对于他来说，就是所谓的绘画里的节奏感吧。
【李永学的回答(12票)】:
节奏感跟人的阅读习惯有关系，我们现在的阅读习惯是从左到右，从上到下。反应在画面中就是从左上角到右下角的—条斜线，我们的目光会习惯性地走这条现。人们会在潜意识中把画面的边界当作是画面的尽头，如果用相对比画面中心的背景重—点的颜色（这种颜色不能是吸引观众注意的颜色，要考虑形，对比等问题。）在画面边界处挡住目光走的那条线，目光就会在画面中反射（实际操作比较复杂，因为与题无关就不淡了）。我们可以按这种预设好的目光在画面中的路线(目光多次反射的路径)按排画面的节奏。
对绘画来说节奏就是明与暗。如果背景暗，组成节奏的就是亮色;背景亮，组成节秦的就是暗色。
咱们假设有—幅画，亮背景，画面中散落着—些各不相同的重色，我们能很清楚地看到画面中的目路(目光走的路径，我自己起的名)。假设我们把目路带着目路经过的那些重色—起从画里抽出来，然后拉直变成—条直线。那么我们可以把这条直线上的重色当作鼓点来看（颜色越重鼓点越重，占的线越长鼓点越长等等），这条直线上重色的分部就是这幅画的节奏。
顺便说下，旋律指的是这条线上色彩的冷暖分布。
不知道这样比谕是不是对理解有帮助。
分割————————————————————————————————————-
白天在工作室画画，用手机写的答案比较潦草
图中的1234是由连接画面四个边的黄金分割点组成的四个点，人的目光会首先落在这四个点上。1是目光的第一落点，如果在第1点上没有可以足够吸引人注意力的要素时目光会落在第2点上，第2点没有会落在第2点上，以此类推。在没有遇到其他可吸引注意力的点的情况下，目光会一直往右下角走，直到走出画面，观看结束。图中的1234是由连接画面四个边的黄金分割点组成的四个点，人的目光会首先落在这四个点上。1是目光的第一落点，如果在第1点上没有可以足够吸引人注意力的要素时目光会落在第2点上，第2点没有会落在第2点上，以此类推。在没有遇到其他可吸引注意力的点的情况下，目光会一直往右下角走，直到走出画面，观看结束。
如果在目光走向的前方存在一个可吸引注意力的点时，目光的走向会被那个点吸引，稍微改变一下走向，继续往右下角走。如果在目光走向的前方存在一个可吸引注意力的点时，目光的走向会被那个点吸引，稍微改变一下走向，继续往右下角走。
如果有更多的点，目光会继续被吸引，改变走向，但最终还是会往右下角走。如果有更多的点，目光会继续被吸引，改变走向，但最终还是会往右下角走。
目光在画面边缘遇到阻力（不吸引注意力，边缘比较虚，形状柔和的色块）时会反射。目光在画面边缘遇到阻力（不吸引注意力，边缘比较虚，形状柔和的色块）时会反射。
假设这是一幅画中目光的走向。假设这是一幅画中目光的走向。
那幅画的节奏是这样的。那幅画的节奏是这样的。
对画面问题感兴趣可以看看阿恩海姆的《艺术与视知觉》，算是探索画面奥秘的入门级读物。
【郑小水的回答(10票)】:
手绘一条直线，再用尺子画一条直线。
对比一下就明白手绘的那个就是有节奏，就好像乐谱一样上下跳动，这么一看节奏不就出来了？而好的手绘可以非常直，但同时非常有节奏，这就是高级的节奏，你表面看不出来，但里面有微妙的抖动。对比音乐，这就叫天籁，乍一听没什么，再一听不得了，而且听不腻。从这个角度来说，尺子画的也有节奏，只是那个节奏苍白一些。
截图自Le Corbusier, an analysis of form
抖动谁都会，但没有多年功力和胸中丘壑你抖得出这么漂亮的线条么。
先从线条说起是因为线条的维度低。但真实世界的维度是无限高，无限细的。绘画的层次也可以从这里窥见：多维和分维。
前面是在小于2的维度内谈节奏。
扩展到大于等于2的维度，就要说疏密，（）再加上明暗就进入第三个维度，加上色彩就有第四个维度。
说到节奏，除了让人想到音乐，也会想到舞蹈，其实你可以把书画看作舞蹈动作的记录呀。你笔下的抖动不就是记录了你刚才的肢体动作吗？所以悬臂练书法是很有好处的。你把手腕按在桌上，你的字只是记录了你一只手的节奏，而你把手腕抬起来，用肘搁在桌上，你的字就记录了手和前臂的动作，如果你把肘也抬起来，力从脚起，由腿及腰及肩及臂及指，你的字就记录了全身的节奏。如果你能投入进去一些感情，那这种节奏就更动人了。
【项鲁恩的回答(1票)】:
忍不住粘一个 讲平面和网页设计里的 节奏感....
感觉好多相通~
【李文月的回答(10票)】:
节奏就是有规律的变化，是对比 。
有主次，有大小，有虚实，有粗细，同时形成和谐统一的画面。
色彩你可以冷暖交替，线条你可以曲直搭配，只要画面最终能按照规律形成一定的视觉效果，和谐统一就可以。
举个例子，处理轮廓线的时候，如果抠死就没有节奏，把它处理成有虚有实，有粗有细就有节奏了。色彩也是这个道理。来张靳尚谊的素描题主自己看看。仔细观察右边轮廓线有虚实变化，或者看看头发的轮廓线也有虚实粗细变化。这种变化就叫节奏。其实怎么变都可以只要变的好看有规律。
韵律节奏这些东西没图只看文字是很难懂得。建议看教材的文字时也配合教材上的图来观察，如果教材没图，就去搜搜一些素描作品。
不赞同安李的回答，我认为举例的图有一定的误导成分同时也没解释清楚。
【吴盛捷的回答(8票)】:
节奏的本质是“对比”。你思考一下这些问题，为啥44拍是重轻轻轻而不是重重重重？为啥钢琴键的白黑白黑白白黑白黑白黑白那么漂亮？为啥黄金分割点用的那么多？为啥鹏鹏旁边要配丁满？为啥没头脑那路多旁边要配不高兴杀死鸡？为啥那路多是黄色系而杀死鸡是蓝色系？为啥李小龙的黄色紧身服上会有两道黑色线条？为啥五星红旗上面的星星朝向不同还有大有小？这些都是为了对比！！！换种说法都是为了节奏！！！好的“节奏感”其实就是对于诸多“对比”的合理安排运用。如何运用得当那些强弱彰显有度的对比是任何艺术形式本质上需要探索的问题。
楼上所有的剧烈其实都是在说对比。对比起盗用一下图
先说说这个央美的节奏感，边缘线强弱穿插贴合解剖那是素描基本功问题，上面已经讲到了，其实归根结底为啥强弱的线条要比一根黑线拉到低要漂亮也是应为此种对比更能彰显人体的韵味罢了。别的不说，光这圈边缘线，你体会一下红线的“整”和绿线的“碎“所形成的对比：
再来几个这种形式的边缘线应用：再来几个这种形式的边缘线应用：
接下来说说这个葱鸡波的问题吧：
下面那张打叉的图就是明显的对比不足或者说对比不合理。。。
冲击波这种货色默认设定是“自然物”（非人工制造，比如楼梯，整齐的课桌椅，就给人以人工参与感。），自然物就得自然形成，大自然不会管理好每个小突起得一样大小的。同样引申开来可以理解为，一堆乱石不可能每块大小都一样，如果大小都一样了就会给人感觉很别扭，大森林里的树不可能每颗高度都一样。。。这都是基本的对比。。。
当然，没对比本身也是对比的一种形式，关键得看怎么用。比如她说的这种：
所以说，对比强或者弱亦或者没对比，本身没有好坏之分，如果运用得当则会形成“节奏”。而在错误的地方用上错误的对比形式就是破坏”节奏“， 比如原本应该彰显”整齐“的课桌椅变得杂乱无章。原本应该制服统一的军队穿的花花绿绿等等等等都是错误的对比形式出现在了错误的地方，跟原本的”意图“相违背，所以我们就说这个”节奏“不对了脱离控制了。。。所以的所以，关键得看节奏安排者有没有达成意图效果。
接下来，给你看看节奏好的作品：
都知道梵高，都觉得丫基本功好像不行，你们啊，桑坦乃一物。。。光从线条上就能感受到他运用对比去彰显“节奏”是多么的出神入化了。天上这短促笔触所拼凑成的行云流水的曲线条，多有弹性，仔细看这云，你看那美妙的曲线条，大拐弯套着小拐弯，大转折扣着小转折，舒缓的拐弯和强烈的拐弯形成多么美妙的对比啊！！啊！！！最妙的还是利用了大大小小不同的浅色星斑来点缀那弹性曲线。。。注意是“大大小小不同”
大小不同是啥？没错！对比！更绝妙的是这里面还安排了这么个竖直的黑疙瘩穿插在这些相对较浅的横向曲线条里面。更别提这个黑疙瘩本身就够有节奏感的了！色彩上的节奏变化也很多，暖色跟冷色的对比，深蓝和浅蓝的对比，黑色和其他颜色的对比。总之就是对比对比对比对比。。。
那如果这坨云换成一个画渣处理呢？会是这样的。。。：
你能体会之中的差异了么？意图对比，却对比不足。。。这些原本美妙动人的曲线，被处理成机械呆板的线条。本来生动美妙的微妙小色彩变化被粗暴的涂成黄的。。。蓝的。。。这就是典型的控制不住画面中的”节奏“，也就是不会把握那些对比。。。
好，现在拿这个练习一下吧，看看他的节奏感好在哪里，”对比“是怎么运用的？
【zengeryounke的回答(3票)】:
引用大一设计课程的内容：
主要有线性、重复、交替、流动与阶段（层级）。
望有所帮助。
Rhythm is the repetition or alternation of elements, often with defined intervals between them. Rhythm can create a sense of movement, and can establish pattern and texture. The presence of rhythm creates predictability and order in a composition.
Rhythm depends largely upon the elements of pattern and movement to achieve its effects. Rhythm in visual composition is very similar to the concept of rhythm in music. The difference is that the beat is sensed by the eyes rather than the ears. It leads the viewer/listener through a composition moving easily from one detail to the next.
Rhythm can be created in several of ways.
Linear Rhythm
Linear rhythm refers to the characteristic flow of the individual line. Accomplished artists have a recognisable manner of putting down the lines of their drawings that is a direct result of the characteristic gesture used to make those lines, which, if observed, can be seen to have a rhythm of its own. Linear rhythm is not as dependent on pattern, but is more dependent on timed movement of the viewer's eye.
Repetitive Rhythm
Repetitive rhythm involves the use of patterning to achieve timed movement and a visual "beat". This repetition may be a clear repetition of elements in a composition, or it may be a more subtle kind of repetition that can be observed in the underlying structure of the image.
Alternation
Alternation is a specific instance of patterning in which a sequence of repeating motifs a (short/ fat/ round/ dark/light)
Flowing Rhythm
Rhythm has been used since the beginning of 'art'. Cave artists effectively employed rhythm in its various forms to create a. steady "beat" that pulls the viewer's eye through the artwork". In the example above the cave artists utilised a flowing rhythm to pull the observer's eye through the work in a flowing manner.
Progressive Rhythm or Gradation
Progressive rhythm employs a series of motifs patterned to relate to one another through a regular progression of steps. This may be a graduation of shape or colour. Some shape graduations may in fact create a sequence of events, not unlike a series of images in a comic strip.自：
（没学生账号也是打不开的）
【赵返的回答(3票)】:
绘画的节奏比音乐麻烦很多。绘画上讲的节奏包括视觉元素的大小，方向，疏密，明暗，也包括色彩的纯度，干湿，甚至还包括绘画时作者的动作快慢等等。但说这么多最后还是要体现在视觉张力上，从视觉上看，刚才说的那些东西要富于变化，任何一组视觉元素过于平均都会让人觉得平淡乏味。上述的每一组元素都要像音乐一样，有节奏上的变化，需要说明的是不是每一幅作品都要包含每一种节奏，但一幅好的作品却一定要有至少一两种节奏对比。
明白了吗？还不明白的话，就只能看着图例跟题主分析了。
【老李的回答(3票)】:
不请自来，我是学艺术的，看了被顶的最高的答案，似乎回答的更偏向设计的构成，我来回答个纯艺方向的。
直接引用对我影响最大的一本人体结构书上的话来回答问题: 人类为了发展脑而解放了手，为了解放手必须直立行走，直立行走克服重力的方式和四肢吃重的方式是完全不同的。因此人体形成了许多Z形、S形的节奏，形成了脚的拱形形状，形成了四肢尤其是上肢的杠杆结构，这些都在外形节奏上体现出来。因此有了人体运动时重力互补的节奏，有了人体外形的凹与凸之问的节奏，有了肌肉和骨骼之问的软硬变化节奏，而艺术家在观察和表现人体时只有抓住了这些才抓住了人体的趣味，掌握了变化的规律。人体特有的节奏就是艺术家寻找和表现的人体美。
个人理解节奏就是美的一种具体表达方式，我们常说这画很美，美在哪？就是节奏感强，节奏把握的好。但是节奏这东西本身也很抽象。就我理解的，像构图、造型、线条、画面层次等的所有绘画语言都应该具有节奏。好的画一定是充满着良好的节奏的。
只是艺术这东西，太走心。我倒愿意引用老子的话来总结:道可道，非常道。
【麦道的回答(1票)】:
它就像是你在动情的时候说的话，为了打动被人，你说的越好，越是让人动情深处。
你可以尝试去随便听一首歌，然后用心去揣摩这首歌的情绪、情感、氛围、甚至是一种生理反应等等这些你能感受到的或者还没有感受到的感觉，然后你会发现，这首歌突然就丰富起来了，动听起来了。
一首歌越是能让人很容易的感受到这些感觉，那么，这首歌必然在你听第一遍的时候就会让你觉得好听。
画也一样，当一张画能很轻易的让被人去揣摩出它的线条、色彩、冷暖、构图、情节的中的美，那么这张画一定很受欢迎，让人喜爱。
其实我是在胡扯，
【知乎用户的回答(1票)】:
我觉得前面那几个答案有点扯远了。规律图形不是绘画。所谓节奏感就是变化，以及作者控制变化的规律，或者我们也可以称为习惯。节奏感存在于宇宙万物之中。因为一切物质表现为波粒两向性。而无论是波性还是粒子性，都是有运动规律的节凑律动。在绘画上，作者的情绪变化，思维活动，以及对色彩的运用和技能的驾驭，构成了画面独特的节凑感。这种规律如果被发现，就像作者的标签一样，可以被轻易识别。它区别于绘画风格的地方在于，节奏感很可能出现视觉上的不一致性，画风往往有一致性。
【TonyLI的回答(0票)】:
简单理解就是“变化”二字，明暗过渡变化，疏密变化，颜色渐变，虚实变化，主次变化等等
【知乎用户的回答(0票)】:
所谓节奏感，就是重复，有规律的重复、变化、重复。
【知乎用户的回答(0票)】:
绘画中的节奏包含许多方面。绘画中的节奏包含许多方面。
从用笔来说，在中国画中有“阴阳相生”、“虚实相生”之论法。它是一对矛盾，有虚则实存，有实则虚生，这样才能达到“生动自然”。节奏产生于作画者用笔的挥毫顿挫，
怪石的线条是顿挫的，柳枝的线条是飘逸的，这就形成了视觉上的效果差别，从而产生出一种节奏感。生活中类似的比如
笔直且大透视角度的暖色装饰物显得跳跃扎眼，冷色（冷暖色节奏后面说）的梯田蜿蜒盘绕似缓慢爬行的蛇，两张动态对比很强，形成强烈节奏感，虽不是绘画却是画面，同理。
以上两张速写光感强烈，用笔豪放，整体的大笔触给观者一种激情，
仿佛能感受到作画时的那种胳膊挥舞状态。但粗中有细，
在塑造鼻子眼睛等细节五官时用了细腻的素描调子，粗细结合，也产生了节奏感。
下面再来两张类似效果的，
对没错···第二张是徐克导演的手绘，话说不比漫画家手绘差了XD,第一张是天野喜孝的插画，两者构图角度都很类似，但细看却是均有动中取静，粗中有细~再说素描，每根线都是不能画死了的。老师常说的要有虚实，不能一根线从头到尾一样粗、一样重，这样画出来才会让整张画有内容，举个栗子~
第一张示例没敢找太清楚的，那画面太美不敢看。如上说，第一张的就是线条没变化，造成画面跟铁一样的死板，第二张无论从整体到局部都有着轻重缓急，会给人感觉很轻松，画面透气，形成节奏美感。
节奏一词本来是用在音乐上的，指音符的缓急轻重，松弛有张，用在素描上就是画面的黑白灰的对比程度或者线条的轻重疏密的对比等等。
下面说冷暖色；
图是我自己做配色练习时弄的，这张题目是辨识度，直观感受就是第一个映入眼帘的是LOGO，其次是眼片（穿鞋带的地方），再其次是鞋头和后上围、然后是橄榄绿的脚面和鞋帮。这同样也形成了一种节奏，是通过不同颜色的明度来体现，想让你看哪你就下意识的看哪。
素描中用黑白灰的不同面积体块也是节奏差别。
这两张当时题目是前进色和后退色，
暖色调的颜色属于前进色。膨胀色可以使物体的视觉效果变大，而收缩色可以使物体的视觉效果变小。颜色的另外一种效果。
有的颜色看起来向上凸出，而有的颜色看起来向下凹陷，其中显得凸出的颜色被称为前进色，而显得凹陷的颜色被称为后退色。
前进色包括红色、橙色和黄色等暖色，主要为高彩度的颜色；而后退色则包括蓝色和蓝紫色等冷色，主要为低彩度的颜色。——百度百科
所以有色绘画中画家们就常以冷暖色来形成画面的节奏韵律，冷暖是要结合才能形成好看的节奏，图就不贴了，比如阳光下的人脸，受光面是暖色的，暗部的反光一般都是用紫色、蓝色等冷色来表现，既符合生活实际，也能丰富画面，展现好看的冷暖对比色差。
就酱，应该差不多了~图来自网络，找我我就删 Σ( ￣д￣；) ！！
【蔡逸辰的回答(0票)】:
线条的疏密，长短，方向，粗细。画面的氛围，虚实，对比。构图的主次，占比。调子的虚实，冷暖，明度，纯度。表现对象的塑造，虚化，夸张。很多 但总的来说就是服务于整幅作品给你带来的感觉。
【Ahhhl的回答(0票)】:
最近正好也在練人體素描，以前也覺得這個概念太抽象，但是在某一刻番然醒悟，其實就是輕重緩急。
就我的理解來說， 就是對對象形體的結構，轉折關係，虛實關係，輪廓線的運用的把握。
且放幾張手機裡安格爾的(上傳圖片怎如此艱難，是個bug麼）
不知題主有沒感受到某種律動...
這些畫的人物形體輪廓線都簡潔卻明確 沒有上太多調子，仍然很結實 。
線條不是一味地統一的粗細和深淺，而是根據身體結構和肌肉的走向，穿插關係來變換，如同流動的音符。
不是概念化的，而是客觀地去觀察對象 然後主觀地去強調或者減弱 。
也就是線條該實的實，該弱的弱下去。
眼前的和後面的，轉折的，實的和虛的，要有區分。
要體會這種節奏感，得多去觀察對象，多練習(不是說說而已，不練只看也還是無法體會)
然後再看大師的東西就能懂為什麼說他是大師，為什麼他畫的好了。看似簡單的幾根線要練多久才能爐火純青。
在去想怎麼抽象之前，先忠於事實。
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