专科和本科有什么区别，请别说一个是专科一个是本科！这我知道，我也知道本科比专科好，但是本科不一定能考上，也不是太想复习，所以问问，我是学美术的，请懂的人说下，请大家从多方...
专科和本科有什么区别，请别说一个是专科一个是本科！这我知道，我也知道本科比专科好，但是本科不一定能考上，也不是太想复习，所以问问，我是学美术的，请懂的人说下，请大家从多方面，多角度分析下它们的利弊…专业学习方面，受教育方面，以后就业方面，等等…还有专升本难吗？有多难？请大家帮忙分析下，很急，十分感谢。
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展开全部学美术，上专科和本科的区别主要有三点：学费和学制、学习环境和氛围、就业渠道及发展前景。1、学费和学年制专科的成本非常高，而且有些院校的学费很贵，其中一些特殊专业甚至学费是本科的几倍。本科的学费总体较专科偏低。专科院校只需要读三年，但是本科院校需要读四年。2、学习环境和氛围因为学生的成绩和学校学风建设各个方面的不同，专科跟本科的院校在学习氛围上也会有很大的区别。而且本科院校的师资力量和科研背景等等也会比专科的院校好上很多，这也是跟学校的经济投入有所关系，因为专科院校比较少得到国家政府的财政支持，所以各方面的投入相对会薄弱一点。3、就业渠道及发展前景其实专科本科最大的差距是体现在就业的时候，专科生一般情况下会比本科生的就业机会少了一点，这可能跟社会上还存在的一些偏见有关，有些人会认为专科文凭不怎么样，也有一些学生自己本身眼高手低，所以就业较难。已赞过已踩过你对这个回答的评价是？评论
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展开全部学美术的，上专科和本科有如下区别：1、学费和学年制的区别专科院校的学习成本高，而且有些院校的学费很贵，其中一些特殊专业甚至学费是本科的几倍。专科院校只需要读三年，但是本科院校需要读四年。2、学习环境和氛围的区别本科院校的师资力量和科研背景等，会比专科的院校好上很多，这也是跟学校的经济投入有所关系，因为专科院校比较少得到国家政府的财政支持，所以各方面的投入相对会薄弱一点。3、就业渠道和发展前景的区别专科生一般情况下会比本科生的就业机会少了一点，这可能跟现在社会上还存在的一些偏见有关，有些人会认为专科文凭不怎么样，也有一些学生自己本身眼高手低，所以就业较难。但其实根据现实情况证明，近几年来反而是专科学生的就业率远远超过了本科生甚至研究生，现在也有很多企业更加青睐于拥有实际能力的学生，只有你有能力，一定有平台能让你发挥。4、拥有的知识面和人生视野的区别现在国内的一些本科院校，尤其是一些知名的高校，经常会跟国内外一些先进的项目或者团队进行接触，本科院校的学生自然会接触到更多先进的资源，视野跟知识面相对来说也会丰富很多。5、理论和实践能力的区别一般情况下来说，专科院校主要注重提升学生的实际技能和动手操作能力，而本科院校的学生主要会偏向于理论和学术方面的传授，两者的着重点不一样。6、社会的认可程度的区别现实中有一部分的人还是对专科院校和学生存在一定的偏见，认为上专科的学生都没什么学习能力，而且现在国家机关、事业单位招聘都要求本科或硕士以上学历，招收专科院校学生的岗位几乎没有，国家公务员考试大多也只是部分艰苦工作岗位允许专科生报考，而且工作地点基本在基层。7、毕业的起薪标准的区别专科生和本科生在就业上的区别不单单只是专科生因为学历而相对少了很多的机会，就算是一同进入到了企业，专科生的薪资也会比本科生的少一些。当然，如果有能力，专科生也能发展得比本科生还要好，但是如果是进国企或者政府机关等，专科生在待遇方面会少了很多。
本回答被网友采纳展开全部艺术类专科和本科的区别有以下几点；①培养目标的不同：专科：培养具有某种专业知识和技能的中、高级人才；培养能适应在生产、管理、服务一线和广大农村工作的技术应用性人才；培养掌握一定理论知识，具有某一专门技能，能从事某一种职业或某一类工作的人才，其知识的讲授是以“能用为度”、“实用为本”。本科：培养较扎实地掌握本门学科的基础理论，专门知识和基本技能，并具有从事科学研究工作或担负专门技术工作初步能力的高级人才。要求学生具备合理的知识结构，掌握科学工作的一般方法，能正确判断和解决实际问题，具备终生学习的能力和习惯，能适应和胜任多变的职业领域。本科教育知识的讲授不仅要向学科的纵深发展，还要注意学科间的横向关系，与此同时，本科教育注意培养学生的科学思维能力、创造能力、创新精神和创业精神。②职能结构的不同：专科：以教学为主要职能。本科：以教学、科研、成果转化与产业服务为主要职能。③知识结构的不同：专科：横向的职业岗位知识模块，强调岗位业务知识和实践操作技能，理论以“够用”、“实用”为度。集中于改造认识世界的范畴，是相对完整的实践体系和相对不完整的理论体系的统一。本科：纵向的框架式知识体系，强调课程的整合、学科的完整和综合，注重跨学科知识的迁移。集中于认识世界的范畴，是相对完整的理论体系和相对不完整实践体系的统一。④学科专业的不同：专科：以面向行业或本地区为主，专业覆盖面较窄，数量较少，社会适应性有限。继续学习的潜能较弱。本科：以面向行业，面向大经济区域为主，专业覆盖面较宽，数量较多，社会综合适应性较强。继续学习的潜能较大。参考资料来源；百度百科——艺术类院校
展开全部1、竞争对手不同。通常本科高校的竞争考生实力会相对比较强。专科高校的考生实力会相对弱一些。2、学历不同。本科高校可以在考生毕业时授予考生本科毕业证书和学位证书。专科学历毕业之后高校会授予学生专科的毕业证书，专科毕业是没有学位证书的。3、高考文化课分数不同。本科批次的录取对于美术考生的分数要求相对于专科高校对于美术考生的文化课的分数要求会相对高一些，但由于美术生的高考分数普遍不高，因此分数有差距，但不会很大。本科的优势有以下几点：1、就业本科学历比专科学历找工作的优势显而易见，专科学历，无形之中将丧失许多理想的工作机会。当然，高学历并不必然能事业成功，许多没有学历的人一样创业很成功，但当今社会通常学历越高工作机会越多，上升空间越大，发展速度越快。2、工资定级当前，我国国家机关和事业单位基本都是按照学历定工资，本科工资比专科工资高一档次，较规范的企业也是按学历定工资，如在苏州、上海、深圳等地外资企业或国内知名企业上班，上岗工资本科工资比专科工资高500元以上是正常的，而且本科以上的奖金和提升机会都比专科相对多一些。
本回答被网友采纳展开全部美术类大学专科和本科的课程几乎一样，出来工作待遇几乎一样，这个社会需要的是能力和技术；如果出来想从政，进公家单位上班，或是想进国企、跨国公司，那么学历就是硬指标了，本科肯定比专科有优势。
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哈喽大家好！这里是小雀！考试论考查题型有填空、选择、简答等无论用什么形式考察，美术史基础都是一定要掌握的随小雀老师来看看这篇超详细的美术史知识点吧！01美术的社会功能The social function of Fine Arts1、认识功能偏于具象层面可以帮助人认识本民族的历史、文化、审美情趣，可以帮助人认识大自然的秩序和行貌色彩，可以帮助人认识到如何感知客观世界。2、教育功能重于情感层面通过对艺术作品的欣赏活动来显现，显现文化特征并始终以独特的艺术形式发展和诠释文化，因此得以作为其文化来源。3、审美功能集中于精神层面人们对艺术的欣赏过程能让美感和审美功能显现，从而在生命世界里造就最丰富的人类情感，而对于美的渴望也来自源于情感的作用。02中国美术类型Types of Chinese art1. 人物画中国的人物画以人物形象为主体的绘画之通称，简称“人物”，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》等。2. 山水画山水画，简称“山水”，中国画的一种，描写山川自然景色为主体的绘画。山水画在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画在魏、晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多，隋唐开始独立。3. 花鸟画花鸟画，是中国画的一种，以花、鸟、虫等为描绘对象的画。在中国画中，凡以花卉、花鸟、鱼虫等为描绘对象的画，称之为花鸟画。花鸟画中的画法中有“工笔”、“写意”、“兼工带写”三种。工笔花鸟画即用浓、淡墨勾勒对象，再深浅分层次着色；写意花鸟画即用简练概括的手法绘写对象；介于工笔和写意之间的就称为兼工带写，形态逼真。03中西美术理论Chinese and Western art theories1. 传神论传神论中国古代美术史中有关美学的一个命题。中国画史上最早使用传神论的是东晋画家顾恺之（348年— 409年），尤其注重眼睛的刻画，作画数年不点眼睛，“四体妍媸本无关于妙处，传神写照尽在阿睹中"。传神论出现在公元四世纪世界，受到汉末魏初名家论”言意之辨“和”魏晋玄学“的影响。直到唐代，传神论也还是主要作为人物画的审美标准被运用。五代以后山水、花鸟画大盛，抒情寄意作为突出美学命题被提出来。自宋以后，写意论成为更流行的审美准则，传神论一方面由人物画扩大到山水、花鸟领域，另一方面有所凝缩，传神一词，渐渐成为肖像画的专用语。2. 六法论六法”最早出现在南朝齐谢赫的著作《画品》中。六法论提出了一个初步完备的绘画理论体系框架，中国古代绘画自此进入理论自觉的时期，以六法作为衡量绘画成败高下的标准。对谢赫的六法原文，后人因断句不同而释义略有区别。　“六法”最早出现在南朝齐谢赫的著作《古画品录》中。从表现对象的内在精神、表达画家对客体的情感和评价，到用笔刻画 对象的外形、结构和色彩，以及构图和摹写作品等，总之创作和流传各方面，都概括进去了。自六法论提出后，中国古代绘画进入了理论自觉的时期。后代画家始终把六法作为衡量绘画成败高下的标准。宋代美术史家郭若虚说：“六法精论，万古不移”（《图画见闻志》）从南朝到现代，六法被运用着、充实着、发展着，从而成为中国古代美术理论最具稳定性、最有涵括力的原则之一。对谢赫的六法原文，后人因断句不同而释义略有区别，具体表现在如“气韵生动是也”，也可断为“气韵，生动是也”，其他五法亦如此。3. 南北宗论南北宗论是指中国画史上文人画家与职业画家两大不同的风格体系。为明代董其昌在《画旨》一书中提出。他认为北宗则李思训父子着色山水，流传而为宋之赵傒、赵伯驹、赵伯骕以至马（远）夏（圭）辈。南宗则王摩诘（王维）始用渲淡，一变勾斫之法，其传为张璪、荆（浩）、关（仝）、董（源）、巨（然）、郭忠恕、米家父子，以至元之四大家。4. 书画同源中国书画术语。意为中国绘画和中国书法关系密切，两者的产生和发展，相辅相成，在画史上，以先秦诸子的所谓：“河图洛书”为书画同源的依据，唐代张彦远《历代名画记·叙画之源流》中说，“颉有四目，仰观垂象。因俪鸟龟之迹，遂定书字之形，造化不能藏其秘，故天雨粟；灵怪不能遁其形，故鬼夜哭。是时也，书画同体而未分，象制肇始而犹略。无以传其意，故有书；无以见其形，故有画。”此为最早的“书画同源”说。《殷契》古文，其体制间架，既是书法，又是图画，近人郑午昌说“是可谓书画混合时代”。5. 黄金分割黄金分割是指将整体一分为二，较大部分与整体部分的比值等于较小部分与较大部分的比值，其比值约为0.618。这个比例被公认为是最能引起美感的比例，因此被称为黄金分割。在古希腊时期，有一天毕达哥拉斯走在街上，在经过铁匠铺前他听到铁匠打铁的声音非常好听，于是驻足倾听。他发现铁匠打铁节奏很有规律，这个声音的比例被毕达哥拉斯用数学的方式表达出来。6. 图像学对美术内容的历史探究。目的是为了发现和解释艺术图像的象征意义，揭示图像在各个文化体系和各个文明中的形成、变化及其所表现或暗示出来的思想观念。图像学对美术作品的解释分为三个层次：1) 解释作品的本质内容，即帕诺夫斯基所说象征意义。2) 考察西方美术中的古典传统，古典母题在艺术发展中的延续和 变化。3) 考察一个母题在形式和意义上的变化。04美术作品构成的要素Elements of art works1、内容和形式内容是构成艺术形象的客观因素和主观因素的总和，形式是作品的存在方式。任何作品，没有无形式的内容，也没有无内容的形式，两者相互依存，密不可分。美术作品的形式包含着两个密切的方面：一是内容诸因素的内部组织和结构，也叫做内形式；二是艺术形象所借以传达的物质手段的组成方式，又叫外形式。2、构思与构图构思指审美主体对客体的感受和取舍，创作意念的酝酿和确定，以及对题材的选取和提炼；另外，还包括了对表现形式的选择，以致对形象的塑造、艺术手法的运用等的预想，在某些连续性或叙事性的造型艺术作品中，还要考虑到艺术形象前后的变化与实践的进展等因素，在本质上是一种审美认识活动。构图的英语词为composition，意为组合、构成，在美术创作中，一般指在平面的物质空间上，安排和处理审美客体的位置和关系，把个别或局部的形象组成整体的艺术作品，以表现构思中预想的形象与审美效果。在中国传统绘画中，称为章法或布局，被认为是“画之总要”，极受重视。3、空间空间是物质存在的一种形态。美术上的空间概念有内外两层含义：形体结构的内容，称内空间，如房屋内部与周围环境而言；形体存在的外部，称外空间，如环境对房屋内部而言。美术着意于形态内空间结构的理解，着眼于物态外空间、即物表与环境关系的刻画，是诉诸视觉空间的艺术。4、笔触泛指绘画中之笔法，通常多用于指油画和水彩画中运笔的痕迹。画家运笔借助颜料的厚薄对比、调和剂的浓淡变化、落笔的轻重力度、运笔的快慢节奏及点染的气韵感觉，体现对象质感、量感、体积感和光影虚实的描绘能力。5、素材文学艺术的原始材料，即未经作家、艺术家提炼和加工的生活现象。美术创作素材主要指美术家在平视的一些速写材料。这些材料与具体的创作主题没有直接关系，因而是粗糙的，带有不确定性，但又往往是最生动、最丰富、最基本的，为艺术家进一步取舍概括和组织处理提供了可能性。6、意境中国传统绘画中的散点透视、虚实处理、计白当黑，就是为了最大限度地展现时空而采取的表现手法，这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限。另一方面也给欣赏着提供了广阔的艺术想象天地。从这个意义上讲，意境的最终构成，是由创作者和欣赏者两个方面结合才得以实现的。7、节奏艺术作品借助艺术手段把握表现对象的运动形态，显出力度、速度和对比因素有规律的重复、交替的现象。各门艺术的艺术语言不通，形成节奏的基本方式也不一样。美术运用形、色、线、轮廓等反复呼应和对比，以及构图安排和形象的特征和动态显示其节奏。8、风格艺术作品在整体上呈现出的具有代表性的独特面貌。风格是一个画家成熟的标志，具有相对稳定性。画家的创作个性必然受到其时代、社会、民族、阶级等社会历史条件影响。同一类型的风格往往会形成一个艺术流派；各种艺术流派的发展、演变不仅构成了艺术的发展历程，而且也放映了各时代社会思潮和审美理想的变化。05中国美术的历史发展简况Historical development of Chinese Fine Arts1. 秦汉、魏晋秦汉，以秦始皇陵兵马俑和霍去病墓石刻为代表，雕塑艺术成就卓著。绘画品类繁多，帛画、壁画、画像石、画像砖，异彩纷呈。篆隶形成中国书法艺术。佛教公元1世纪进入中国。到8世纪，它在艺术领域已经展现了卓著的效应,尤其在大型宗教塑像方面。魏晋、南北朝，佛教艺术勃兴，敦煌石窟、云岗石窟、龙门石窟等相继开凿，大量的壁画和泥塑，在描绘宗教内容的同时，反映着现实的生活；除民间画工外，士林画家大量涌现。东晋顾恺之的《女史箴图》（现存摹本）是早期人物画的代表作，该画用笔如春蚕吐丝，紧劲连绵，形神兼备，格调古逸，内容是宣传封建女性的德行修养。中国传统人物画注重“成教化，助人伦”的教育功能，由此可见一斑。2. 隋唐隋唐则“君子之于学，百工之于艺，自三代历汉，至唐而备矣。”尤以绘画、雕塑成就辉煌。就绘画而言，唐代周昉、张萱的仕女画标志着人物画的进一步完善。山水画已摆脱了作为人物画背景的附属地位而成为一个独立的画种，隋代展子虔的设色山水《游春图》，是迄今为止世界上第一幅以风景为主题的绘画，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水，已经形成了中国画山水画的北派和南派的雏形。唐代薛稷的鹤，边鸾的孔雀，刁光胤的花竹，也说明花鸟画已开始兴起。隋唐雕塑最引人注目的当推陵墓雕刻。昭陵石刻中那组以描绘李世民生前所骑六匹战马的浮雕像（习称“昭陵六骏”）雕工精细，形体准确，造型生动，是中国雕塑史上的杰作。3. 宋、五代五代、两宋是中国绘画艺术的鼎盛期。随着画院的设立，宫廷绘画呈现兴旺活跃的景象，后世文人画通常将绘画传统回溯至此时。新的绘画内容如民俗画也开始出现，如北宋张择端的《清明上河图》，以长卷式构图，生动地描绘汴京（今开封）的繁华景象，如实地展示了当时的社会生活风貌。这一时期山水画最后人着墨最多的部份，五代时生活在中原的荆浩、关仝，活动于江南的董源、巨然，分别以不同的笔墨技法描绘不同地域的山川景象，画风各异，对后世山水画的发展有着重要影响。北宋李成的平远画风，范宽的崇山峻岭，许道宁的林木野水，郭熙的巨章高壁，惠崇、赵令穣的抒情小景，米芾、米友仁父子的云山墨戏，使北宋山水画呈现高度成熟的状态。到了南宋，大山堂堂的绘画风格不再，取而代之的是大量留白的绘画方式，李唐继承前朝，但开展出了独特的斧劈皴技巧来画山石，后来的院画家如马远、夏圭基本上追随李唐的风格，然而在画面上注重剪裁、大片留白渲染，呈现空气感，被称作是诗意山水，一变为纤巧，反映了山水画的不断变革和发展。花鸟画也有着长足的进步。五代时徐熙的汀花野竹，黄筌的奇花异鸟分别具有野逸和富贵两种不同的风格。北宋，花鸟画从对称的装饰性转变为写实生动，强调拟真，赵昌的折枝花卉，易元吉的猿猴，崔白的败荷凫雁可以看作是北宋早中期的代表。到了赵佶主政，刻意经营画院，仿效科举考试纳才，增加画院的待遇，让徽宗朝成为宋代绘画的高峰，其院体花鸟画，强调精细写实，栩栩如生。南宋梁楷、法常的花鸟画已水墨写意之先河，文同的墨竹可说是最早没骨花鸟的杰作。陶瓷方面，宋代亦到高峰。此时的单色瓷工艺到达极致，北宋末期所烧制的汝窑是迄今认为单色瓷发展的极致，色泽温润，有珠玉光泽，以枝钉满釉烧造，工艺技术高超，今日传世品稀少，不足一百件。其他如定窑、耀州窑、磁州窑、建窑都有非常高度的发展，并有大量外销，影响周边东亚等地。南宋官窑则被认为是继承汝窑，供给宫廷使用的高级瓷器，龙泉窑与景德镇此时也有大量生产，供应外销，近年考古发现的海底沉船可为佐证。4. 明清明代初期，宫廷画家师承南宋院体风格，称之为“浙派”（代表画家为戴进和吴伟），虽然被晚明董其昌等人贬低，但是影响范围广及日本越南等地，并一直透过民间画师的传承下来，今日台湾地区庙宇壁画仍是浙派的延续。另一方面，文人官僚以元四大家为学习对象，出现后来成为文人画传统的“吴派”（代表画家是沈周、文徵明、唐寅、仇英），与浙派为明代画坛的两大主要派别。由于晚明崇尚吴派而贬低浙派，致使吴派在中国传统绘画中成为山水画的主流，影响力一直持续到民国初年，甚至国民政府迁台初的绘画教育，依然以吴派绘画为主。此外，陈淳、徐渭的大写意花鸟，创泼辣豪纵一格，给中国传统绘画带来了新的活力。陈洪绶和崔子忠是明末有名的人物画家，号称“南陈北崔”。前者作品，形象夸张甚至变形，格调高古，对版画的发展作出了贡献。此一画风，后世学者常称为变形主义。清代延续晚明以来尊崇吴派的传统，出现所谓四王，称其画风为“正统画派”。然而民间出现一种崭新的画风，构图大胆，别开生面，以前朝遗民八大山人及石涛最为人所知。清代中叶江南地区富裕，扬州一带出现以卖画为生计的文人画家，书画均不落俗套，奇特新颖，后来学者将其中重要的八位称之为扬州八怪。清代亦为西方绘画逐渐进入的时期，最著名的就是乾隆时期任职于宫廷的郎士宁，然而这种西方的风潮并没有影响到民间。但中国当时唯一对外的口岸广州，出现专门替欧洲商人以油画作画的画工，此是西方绘画进入中国民间之始。晚清上海辟作通商口岸，由于地处辐辏，成为重要港口，也带动油画的需求与发展，中国画家逐渐学会透视法等西洋绘画方式，并使用进口颜料作画，影响传统绘画的风貌。清末上海取代扬州为商业中心，职业画家群也从扬州转移到上海，出现了海派风格，可谓中国传统绘画的最后一脉。民初高剑父兄弟吸收日本画的西洋式画风，开创出岭南画派。两者均代表了中西结合的新画风，为中国画的发展作出了有益的尝试。清代民间美术的兴隆值得称道。木版年画这一传统民间美术品种在清代获得了前所末有的发展。其制作地区遍及大江南北的一些城镇乡村，并形成了天津杨柳青、苏州桃花坞、潍县杨家埠等富有地方特色的年画。与此同时，杭州诞生了中国最早的美术高等教育院校。5. 近现代辛亥革命后，中国社会发生了剧烈变化，传统的中国美术又随着时代的骤变而发展。自民国时期始，中国现代美术之路充满了新旧交替、中西混融、变化发展的特色，是在继承传统文化引入西方文化的背景下向前发展的。主要表现为艺术社会价值的寻求与适应，进行了种种尝试、探索与论争，大的趋势是以为人生而艺术的气质把美术创作与现实功利紧密结合起来的写实主义渐居首位。齐白石：擅长中国画、书法、篆刻和诗歌，一生作画不辍，留下大量诗书画印作品，传世画作有《墨虾》《牧牛图》等。徐悲鸿：作品融古今中外技法与一炉，显示了极高的艺术技巧和广博的艺术修养，是古为今用、洋为中用的典范，在我国美术史上起到了承前启后、继往开来的巨大作用。代表作《愚公移山》等。06外国美术名家名作及风格流派Masterpieces and styles of foreign art masters一、文艺复兴时期1、文艺复兴三杰：在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的艺术家，进一步完善了15世纪意大利艺术，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一、高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例，被后人誉为“文艺复兴三杰”。达·芬奇把自然科学知识引入美术，其代表作品为《最后的晚餐》《蒙娜·丽莎》。米开朗基罗，致力于解剖人体，研究人体的结构和运动。他的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。代表作品有雕像《大卫》。拉斐尔的作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现，他还是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。代表作品有《西斯廷圣母》等。2、提香：威尼斯画派的泰斗，他在实践中创造了洋溢着欢乐气氛和生机盎然的风格。在其晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。代表作《戴荆棘冠的基督》等 。3、凡·艾克兄弟：尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人，他们绘制的《根特祭坛画》是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。4、丢勒：德国文艺复兴运动中最著名的艺术家。其作品《亚当夏娃》中既保留了北方艺术家一丝不苟的细节描写，也融合了南方艺术中的科学主义因素，他是融合北方哥特式艺术传统和南方新兴手法的典范。二、17、18世纪欧洲美术1、普桑：17世纪法国伟大的画家。普桑格外重视理性思考，强调素描的作用，获得了古典式严谨、明确、和谐的构图和造型，普桑的《台阶上的圣家族》《阿卡迪亚的牧人》等作品，均体现了他对庄严优美的风格和对古典传统的深刻理解。2、委拉斯克斯：17世纪西班牙最伟大的画家。他的最大长处在于冷静的观察力和形于色的完美结合。代表作品《教皇英诺森十世》等。3、鲁本斯：巴洛克绘画的伟大代表。鲁本斯充满活力和热情、气势磅礴的画艺对后代的浪漫主义美术家极有吸引力，代表作有《劫夺欧罗巴》等。4、伦勃朗：17世纪最伟大的荷兰画家，代表作有群像《杜普教授的解剖学课》等。三、19世纪欧洲美术1、达维特：法国新古典主义宗师，代表作《荷拉斯三兄弟的宣誓》《加冕式》等。2、安格尔：致力于纯化造型语言，以高傲的度和卓越的才华坚持捍卫着新古典主义的理想，代表作《大宫女》《泉》等。3、德拉克罗瓦：最伟大的浪漫主义画家，代表作《西阿岛上的屠杀》《自由引导人民》等。4、库尔贝：法国现实主义美术的代表人物，他认为美术家应当以清醒的态度反映当代的现实。代表作品有《画室》《打石工》等。5、米勒：以为擅长表现农民生活的画家，作品质朴无华，蕴含真正的美和诗意。代表作品有《播种者》《拾麦穗的妇女》等。6、俄国巡回展览画派：成立于19世纪下半叶，它集聚了俄国写实主义美术的佼佼者，在俄国美术发展中产生了重大影响。克拉姆斯柯依是巡回展览画派的创立者，也是激烈反对美术学院陈规的画家，《列夫·托尔斯泰像》和《无名女郎像》等是他的代表作。7、印象主义美术：印象主义美术始于19世纪60年代，它继承了库尔贝等面向当代现实生活的创作态度，使美术作品进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖。印象主义画家大胆抛弃了长久受到公认的创作观念和程式，他们纷纷离开空气沉闷的画室，感受摄取丰富多彩的新鲜事物，以直接写生的方式捕捉种种生动的印象，描绘大自然中千变万化的光线和色彩。印象主义画家有马奈、莫奈等。莫奈的代表作是《日出印象》。8、后印象主义：19世纪末从印象派发展而来的一种西方油画流派。在艺术表现上，后印象主义不满足于刻板片面的追求光色，更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，用作者的主观感情去改造客观物象，要表现出“主观化了的客观”。他们在尊重印象主义光色成就的同时，不是片面追求外光，而是侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。代表人物有塞尚、凡·高、高更。凡·高：荷兰画家，后印象画派的代表人物。代表作品有《向日葵》《包扎着耳朵的自画像》《星空》等。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方主义，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格。9、新印象主义：19世纪80年代后期，一群受到印象主义影响的画家发起了一场技法革新。他们不用轮廓线条划分形象，而用点状的小笔触，通过合乎科学的光色规律的并置，让无数小色点在观者视觉中混合，从而构成色点组成的形象。这种画法被称为新印象主义，又称为分色主义。新印象主义的倡导者是乔治·修拉，代表作有《大碗岛的星期天下午》。四、20世纪美术1、表现主义：表现主义旨在表达情感体验和精神价值，而不在乎记录视觉印象。20世纪头十年，在莱茵河两边形成了不同的表现主义势力范围，其中心分别在世界文化之都巴黎、德国北部的德累斯顿和南部的慕尼黑，其核心团体依次是野兽派、桥社和青骑士。亨利·马蒂斯被视为野兽派的领袖，代表作为《带绿色条纹的肖像》等。德国表现主义最典型的代表可归纳为两个团体，一个是1905年创于德累斯顿的桥社，另一个是从慕尼黑新艺术家协会派生出来的青骑士。2、立体主义从1907年到1914年，立体主义运动是视觉艺术中一场最彻底的革命，它的意义在于空间处理的新观念，它是主宰20世纪艺术中抽象和非具象的绘画流派的直接源泉。立体主义的代表画家是毕加索。其作品《阿维尼翁的少女们》标志着立体主义的起点。这幅杰作的贡献是打破了传统透视法，创造了一种异质空间，使从不同视点同时观看对象成为可能。乔治·布拉克是立体主义的另一位代表人物，其代表作有《埃斯塔克的森林》等。3、未来主义未来主义源于意大利，为了寻找一种适合表现速度、动力、运动和时间过程的绘画语言，未来主义艺术家把立体主义的几何学发明应用于他们的作品中，试图以运动的造型象征形式来表达速度这样的现代观念。未来主义绘画最常见的题材是及其，包括汽车、市内有轨电车和火车，同时也有许多表现人物或动物同时性运动的题材。博乔尼是未来主义绘画的代表性画家之一。4、达达主义1916年，一批逃避战争来到中立国瑞士的青年建立了名为达达的艺术团体。达达形成了一场文学与视觉艺术的运动。达达主义攻击以往的文艺传统，以批判的眼光重新审视以往文艺的指导原则和美学观念。苏黎世达达中最重要的艺术家是让·阿尔普，他主张偶然机遇应当是创造活动中必不可少的部分，利用偶然事件是实现把无意识置于艺术之中的重要措施。5、超现实主义超现实主义是法国作家安德烈·布勒东领导的文学和艺术的运动。这个团体重视科学的方法，尤其是心理学的方法。30年代超现实主义支配了欧洲的文坛和画坛，二次世界大战期间，大多超现实主义者都到美国避难，这为美国现代艺术的发展准备了温床。加入超现实主义行列的最后一位重要艺术家是西班牙的萨尔瓦多·达利，代表作为《记忆的持续性》。美术史知识点汇总就分享到这里啦！如果你想更全面系统地学习美术史知识备考央美艺管或者清美史论赶紧联系我们！艺雀助你圆梦名校！